Le défilé homme TEMPLE OF LOVE SS26 de Rick Owens au Palais de Tokyo, présenté sur le parvis du musée pendant la Fashion Week de Paris, s’est distingué par son audace et son sens du spectacle.
La Fashion Week de Paris qui était bien plus qu’une simple présentation ; c’était un prélude viscéral et théâtral à son exposition rétrospective très attendue, intitulée à juste titre « Temple of Love ». Mis en scène dans son lieu emblématique, le Palais de Tokyo, le défilé a transformé l’espace en un témoignage dynamique et interactif de sa vision durable.
Cette fois, les mannequins ont émergé de l’eau. Dans ce qui ressemblait à une sorte de procession baptismale, ils sont sortis de la fontaine sous un soleil d’été intense, corps trempés, plateformes trempées, silhouettes traînant des traînées d’eau sur la pierre. L’image était lourde de symbolisme : renaissance, exposition, vulnérabilité.
Rompant avec les configurations de défilé conventionnelles, Rick Owens a orchestré un événement où tous les invités étaient debout, réunis en toute intimité autour de la fontaine colossale au cœur du Palais.
Le créateur a ainsi fait preuve de constance dans ses efforts printaniers, en faisant appel à Terry-Ann Frencken, son premier mannequin de showroom devenu créateur de cachemire, pour reproduire certains tricots favoris du début des années 2000; en revenant à des vêtements détruits et déconstruits dans une collaboration sur des vestes en cuir avec le groupe punk new-yorkais Suicide, et en développant de nouvelles versions de ses vestes de vol et parkas fétiches, ici en taffetas de soie ou en toile de nylon.
Le mélange signature d’Owens de « sophistication européenne à travers la franchise américaine », avec des créations mettant en valeur la chair exposée en cuir noir, des sangles cloutées, des cuirs toscans lacérés, des vestes de vol volumineuses et des « Burrito Sneaks » ont été présentés cette saison.
L’élément le plus inattendu était peut-être une statue, apparemment à l’image d’Owens lui-même, urinant nonchalamment dans l’espace même où les mannequins accomplissaient cet acte de renaissance. La statue flottait sans interruption pendant toute la durée du défilé. Impossible de ne pas la voir, et c’était délibéré. À un moment où tout le reste était posé et profond, cette statue laissait place à l’irrévérence, à l’absurdité et à un clin d’œil à la mythologie d’Owens.
Le brouillard se déplaçait avec intention, programmé pour voiler et révéler chaque modèle tel un rideau de fumée. L’éclairage était naturel et brutal, d’une sincérité sans compromis. Il n’y avait pas de musique, juste le bruit de l’eau et du mouvement. Tout était élémentaire. Et les modèles s’y fondaient, se fondant dans le rythme de la pierre, du soleil et de la vapeur.
La rétrospective « Temple of Love », elle soulignait la capacité constante d’Owens à fusionner art de la performance et mode, utilisant ses défilés comme des déclarations profondes explorant les thèmes de la renaissance, de la résilience et une acceptation quasi sacrée de la forme humaine dans toute sa glorieuse imperfection.
Embrassant les thèmes de la finalité, les créations d’Owens incarnent une « sophistication esthétique européenne à travers une brutalité américaine », mise en valeur par des chairs exposées dans des fentes de cuir noir.
L’exposition, dont Rick lui-même est le directeur artistique, présentera des créations de ses débuts à Los Angeles jusqu’à ses collections actuelles, ainsi que des livres d’enfance, une reconstitution de sa chambre à Los Angeles qu’il partageait avec Michèle Lamy, et une sculpture le représentant en train d’uriner (oui, vraiment). Il s’agit seulement de la troisième rétrospective au Palais Galliera consacrée à un créateur vivant (après les expositions consacrées à Azzedine Alaïa en 2013 et à Martin Margiela en 2018).
Il a déclaré avoir été inspiré par la comtesse de Castiglione, une aristocrate italienne du XVIIIe siècle qui a commandé des centaines de photos d’elle-même, jusqu’à ses dernières années, lorsqu’elle s’est enfermée dans un appartement sans miroir et a « réduit sa vie à photographier ses pieds ».
Rick Owens n’a utilisé que des corps, de l’eau et de l’architecture pour créer tension, humour et détente. Ce faisant, il nous a rappelé que l’immobilité peut être cinématographique, que l’espace peut être narratif, et que parfois, la performance la plus convaincante est celle qui ose en faire moins.
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