Il existe des œuvres qui racontent une histoire. D’autres qui interrogent leur époque. Et puis il y a celles qui traversent les siècles sans perdre leur force, parce qu’elles touchent à ce qu’il y a de plus profond dans la nature humaine. HUBRIS, écrite et mise en scène par Clara Jauvart-Lacoste, appartient à cette dernière catégorie.
Inspirée de l’Iliade, la pièce ne se contente pas de revisiter la Guerre de Troie. Elle utilise le mythe grec comme un miroir tendu à notre monde contemporain. Derrière les armes, les héros et les batailles se cache une interrogation universelle : que devient l’homme lorsqu’il se persuade qu’aucune limite ne s’impose plus à lui ?
Chez les Grecs, le mot hubris désigne la démesure. Il ne s’agit pas seulement de l’orgueil ou de la vanité. L’hubris est ce moment où un être humain, aveuglé par son ego, oublie sa condition de mortel. Il se croit capable de défier les dieux, les lois naturelles, la morale et jusqu’aux conséquences de ses propres actes. Cette illusion de toute-puissance annonce toujours la chute.
C’est précisément cette idée que Clara Jauvart-Lacoste place au cœur de son spectacle. La Guerre de Troie devient alors bien davantage qu’un épisode de la mythologie grecque. Elle devient l’exemple intemporel de ce qui arrive lorsque l’ambition, la vengeance et l’honneur prennent le pas sur la raison.
Dès les premiers instants, le spectateur comprend qu’il ne va pas assister à une simple reconstitution antique. Une immense tente militaire domine la scène. Les costumes mêlent références mythologiques et esthétique contemporaine. Les époques se superposent volontairement, abolissant les frontières entre hier et aujourd’hui. La tragédie grecque cesse d’appartenir au passé pour devenir le reflet de notre présent.
Comme Clara Jauvart-Lacoste nous l’avait confié lors d’un précédent entretien, la naissance de HUBRIS trouve son origine dans la lecture du roman Le Chant d’Achille de Madeline Miller. Mais loin d’adapter simplement cette œuvre, la metteuse en scène choisit de construire sa propre lecture de l’épopée homérique. Deux soldats contemporains viennent dialoguer avec les héros antiques, offrant au public des repères immédiats et une respiration bienvenue au cœur de la tragédie.
Ce procédé dramaturgique est particulièrement efficace. Il rappelle que les grandes tragédies grecques ne parlent jamais uniquement du passé. Elles interrogent l’homme dans ce qu’il possède de plus immuable : son rapport au pouvoir, à la violence, à l’amour, à la vengeance et surtout à son propre ego.
L’histoire d’Achille dépasse alors largement celle d’un guerrier légendaire. Son parcours devient celui d’un homme qui voit progressivement sa colère, son désir de justice et son orgueil prendre le contrôle de son existence. En une heure vingt, le héros traverse une métamorphose saisissante : de l’adolescent animé par ses convictions naît un homme consumé par l’amertume, prisonnier de ses propres choix.
Cette évolution est portée par une distribution remarquable. Adrien Bensmaine, Cécile Garnier, Corentin Gerold, Mathéo Krzyzyk-Brand et Léa Michelot donnent une profondeur rare à leurs personnages. Leur interprétation ne cherche jamais l’effet spectaculaire. Elle privilégie l’intensité émotionnelle, laissant apparaître les contradictions permanentes entre devoir, amour, fidélité et désir de vengeance.
La direction artistique d’Ugo Bussi accompagne cette ambition avec une scénographie volontairement épurée. Chaque élément du décor semble répondre à une nécessité dramatique. Rien n’est décoratif. Tout participe à la tension qui s’installe progressivement jusqu’à l’explosion finale.
L’un des moments les plus marquants repose sur un immense tambour de guerre rempli de peinture rouge. À mesure que les coups résonnent, le liquide écarlate éclabousse la toile de la tente et les vêtements d’Achille. Ce sang symbolique envahit peu à peu l’espace scénique. Plus le héros cherche à défendre son honneur, plus il se retrouve littéralement couvert des conséquences de sa propre violence.
Le spectacle pose alors une question essentielle qui dépasse largement le théâtre :
Que défendons-nous réellement lorsque nous croyons défendre notre honneur ?
À travers cette interrogation, HUBRIS invite chacun à regarder bien au-delà des héros antiques. La véritable bataille ne se déroule peut-être pas sur les champs de Troie, mais au cœur de chaque être humain, lorsque l’ego commence à lui faire croire qu’il peut devenir plus fort que toute limite.
Quand l’ego devient plus fort que la raison
L’une des grandes forces de HUBRIS réside dans son refus de célébrer la guerre. Là où de nombreuses adaptations de l’Iliade mettent en avant les exploits militaires ou la gloire des héros, Clara Jauvart-Lacoste choisit une direction radicalement différente : elle s’intéresse aux conséquences humaines de l’orgueil.
La pièce rappelle que les plus grandes tragédies ne naissent pas des armes elles-mêmes, mais de ceux qui pensent avoir le droit de les utiliser sans limite.
L’hubris n’est jamais présentée comme une faiblesse passagère. Elle devient une mécanique. Une fois que l’homme est convaincu que son honneur vaut davantage que la vie d’un autre, il entre dans une spirale dont il ne maîtrise plus rien. La vengeance appelle la vengeance, la violence nourrit la violence et chaque décision semble rendre le retour en arrière impossible.
Cette démonstration traverse toute la représentation.
Le sacrifice d’Iphigénie n’est plus seulement un épisode de la mythologie grecque. Il devient le symbole de toutes les victimes offertes au nom d’intérêts supérieurs. Chryséis n’incarne pas uniquement un personnage antique ; elle représente toutes les femmes qui deviennent les premières victimes lorsque des hommes transforment leur pouvoir en domination.
La phrase prononcée au cours de la représentation résonne alors comme une condamnation universelle :
« Qu’elle soit divine ou mortelle, une femme ne sort jamais indemne de la bestialité des hommes. »
Cette réplique ne vise pas uniquement la Grèce antique. Elle traverse les siècles. Elle rappelle que derrière chaque conflit se cachent toujours des vies brisées, des familles détruites et des innocents qui paient le prix des décisions prises par ceux qui se croient investis d’une mission supérieure.
C’est ici que HUBRIS cesse définitivement d’être une simple tragédie antique.
Elle devient un miroir.
Le spectateur ne regarde plus Achille.
Il regarde l’humanité.
Chaque époque a connu des dirigeants convaincus d’avoir raison contre tous. Chaque civilisation a vu apparaître des hommes persuadés que leur ambition justifiait toutes les violences. Chaque guerre a commencé par la certitude qu’une cause était suffisamment noble pour imposer la souffrance aux autres.
La pièce ne désigne jamais un responsable contemporain.
Elle préfère poser une question infiniment plus dérangeante :
À partir de quel moment un homme cesse-t-il de défendre une cause pour ne plus défendre que son propre ego ?
Cette interrogation donne toute sa dimension politique au spectacle.
Car l’hubris ne concerne pas seulement les rois de l’Antiquité.
Elle peut toucher un chef d’État, un chef militaire, un dirigeant économique, mais aussi n’importe quel individu convaincu que sa volonté doit l’emporter sur toute autre considération.
La scénographie renforce constamment cette lecture.
La tente militaire imaginée par Clara Jauvart-Lacoste devient un espace universel. Elle pourrait appartenir aux Grecs, mais également à n’importe quelle armée contemporaine. Ce choix esthétique brouille volontairement les repères historiques pour rappeler que les mécanismes de domination n’ont jamais disparu.
L’utilisation du gigantesque tambour rempli de peinture rouge constitue l’une des idées les plus fortes du spectacle.
Chaque coup porté résonne comme un battement de guerre.
Chaque éclaboussure rouge rappelle que toute décision prise au nom de l’orgueil laisse des traces impossibles à effacer.
Plus Achille croit défendre son honneur, plus le sang recouvre son propre corps.
L’image est d’une redoutable efficacité.
Sans prononcer un seul discours, la mise en scène montre que celui qui croit maîtriser la violence finit toujours par être englouti par elle.
La distribution contribue largement à cette réussite.
Adrien Bensmaine, Cécile Garnier, Corentin Gerold, Mathéo Krzyzyk-Brand et Léa Michelot construisent des personnages profondément humains. Aucun n’est entièrement innocent. Aucun n’est totalement coupable. Tous sont enfermés dans des choix dictés par leurs émotions, leurs blessures et leur conception de l’honneur.
Cette complexité donne au spectacle une profondeur rare.
Le spectateur ne reçoit jamais une morale.
Il est invité à réfléchir.
C’est précisément cette intelligence qui distingue HUBRIS. La pièce ne cherche pas à apporter des réponses simples. Elle montre simplement que l’histoire de Troie continue de se répéter chaque fois que l’homme oublie sa propre condition et transforme son ego en loi absolue.
Une tragédie antique qui parle de notre époque
Si HUBRIS marque durablement les esprits, ce n’est pas uniquement par la qualité de sa mise en scène ou par l’intensité de son interprétation. La véritable réussite de Clara Jauvart-Lacoste réside dans sa capacité à faire disparaître la frontière entre le mythe et notre réalité.
En quittant la salle, le spectateur n’emporte pas seulement le souvenir d’une tragédie grecque. Il repart avec une interrogation qui continue de résonner longtemps après la représentation.
Que respectons-nous réellement dans notre vie ?
Notre honneur ?
Notre pouvoir ?
Notre orgueil ?
Ou bien les limites qui fondent notre humanité ?
Depuis près de trois mille ans, l’histoire de Troie n’a jamais cessé d’être racontée. Pourtant, elle ne survit pas parce qu’elle appartient au patrimoine littéraire mondial. Elle survit parce qu’elle décrit un mécanisme humain qui traverse toutes les civilisations.
Chaque époque connaît ses Achille.
Chaque génération produit des hommes convaincus que leur volonté est supérieure aux lois, aux valeurs ou aux conséquences de leurs actes.
C’est précisément cette permanence qui fait de HUBRIS une œuvre profondément contemporaine.
La pièce ne parle pas uniquement des héros de l’Antiquité.
Elle parle des guerres qui continuent d’endeuiller le monde.
Elle parle des ambitions qui détruisent les peuples.
Elle parle des dirigeants qui préfèrent la domination au dialogue.
Elle parle également de chacun d’entre nous lorsque l’ego prend le dessus sur la raison.
La scénographie, volontairement dépouillée, concentre toute l’attention sur cette mécanique de la démesure. Les jeux de lumière, les projections de peinture rouge, les silences, les regards et la puissance du texte construisent une tension permanente où chaque scène rappelle que la véritable bataille n’est jamais uniquement militaire.
Elle est intérieure.
La distribution, d’une remarquable homogénéité, porte cette exigence avec une grande maîtrise. Adrien Bensmaine, Cécile Garnier, Corentin Gerold, Mathéo Krzyzyk-Brand et Léa Michelot donnent à leurs personnages une densité qui dépasse largement la simple interprétation. Ils incarnent des êtres humains confrontés aux contradictions éternelles entre devoir, amour, fidélité, vengeance et désir de puissance.
Sous la direction artistique d’Ugo Bussi, chaque élément trouve sa place au service d’une œuvre cohérente, exigeante et profondément intelligente.
Les quatre nominations aux Cyranos 2025 confirment la qualité d’un spectacle qui conjugue écriture, interprétation et mise en scène avec une rare maturité.
Présentée jusqu’au 25 juillet à 14 h 55, à La Factory – Espaces Roseau Teinturiers, HUBRIS s’impose comme l’une des propositions théâtrales majeures du Festival Off d’Avignon.
Plus qu’un spectacle, c’est une expérience.
Une expérience qui rappelle que la tragédie grecque ne cesse jamais de nous observer.
Parce qu’au fond, la question posée il y a près de trois millénaires demeure intacte :
Que devient l’homme lorsqu’il se persuade que son ego le rend plus fort que Dieu ?
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