FOCUS ART FAIR : parcourt le monde de l’art, de Paris à Londres

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Cette année, FOCUS ART FAIR 2021, organisée par HongLee Curator réunira plus d’une centaine d’artistes internationaux autour de la thématique de l’identité et couleur de vie.

Paris – « Focus Identity »

Focus Art Fair a proposé un nouvel univers, une nouvelle scénographie pour promouvoir et présenter des artistes connus et émergents dans des lieux incontournables. Cette deuxième édition s’est déroulée dans le quartier de l’Opéra de Paris, dans un espace de 700m² depuis l’Atelier Richelieu et sa verrière où des artistes sélectionnés ont présenté aux amateurs et professionnels, leur travail et leur imagination dans une sphère d’imaginaire sans limites.

Parmi les artistes présents, on retrouve des noms comme l’artiste russe Ellen SHEIDLIN, l’incontournable duo franco-brésilien Léo & Steph, la production méditative de l’artiste sud-coréen Keuntai KIM, la production de l’artiste belge Stéphanie POPPE, mêlant inspirations urbaines et naturelles, les œuvres hyperréalistes d’Ibim COOKEY le plasticien nigérien, le peintre taïwanais Ching-Jung CHEN et ses compositions invitant au spirituel. On retrouve également des artistes tels que : Jean-Michel LANDON, Lee.K, Skima, Sooman MOON, Marc GÖNZ, ARemy et bien d’autres.

Le temps et les souvenirs jouent un rôle important dans la production de l’artiste sud-coréenneUna JUNG. La peur de perdre ses souvenirs suscite sa vénération, dans laquelle sa mémoire l’accompagne dans un voyage lyrique. Semblable à l’air invisible, cette nature semble toujours être présente à côté. Un jour, elle s’imagine marcher dans les nuages, une autre s’aventurer au fond de la mer. Comme le disait le peintre allemand Paul Klee : « La couleur est le lieu où notre cerveau et notre univers se rencontrent », l’artiste sud-coréenne exprime ses émotions en couleur.

One JUNG souhaite que ses œuvres invitent le public au rêve et à l’enthousiasme pour sortir des sentiers battus de notre imaginaire

Anna Sophia peint principalement avec de gros pinceaux, de l’acrylique et de l’encre liquide, mais utilise également d’autres outils tels que des éponges, des couteaux, des aquarelles et des crayons. Pour ses peintures sculpturales, il a développé sa propre technique mixte en utilisant du lin coloré et de la craie sur plusieurs couches pour créer une forme en relief.
Elle aime la peinture abstraite et minimaliste, son inspiration vient des corps, mais aussi des formes organiques qu’elle trouve dans son environnement. Elle veut donner au spectateur une sensation de calme et d’harmonie, tout en plaçant ses pensées profondes sur la toile.

L’artiste allemand Wolfgang Stiller essaie de proposer une réalité à travers sa vision mais laisse aussi la possibilité à chacun de voir à travers son imaginaire différents points stratégiques de la société d’aujourd’hui.

Son œuvre « Matchstickmen » composée de bois et de peinture polyuréthane et de gouache, présente deux aspects :

  • C’est certainement un commentaire sur la société – la façon dont nous nous traitons nous-mêmes et les autres êtres humains. Signalez les mauvais traitements, car les grandes entreprises exploitent les employés.
  • L’autre aspect du travail est plus ludique. Streichholzkopf (Matchsticks en allemand) se réfère très fortement à la tête humaine de manière littérale (Kopf = tête). L’artiste espère que les gens comprendront les deux aspects – le sens agréable, ainsi que le sens plus sérieux qui se cache derrière.

Quelle importance accorder à l’identité d’un artiste ?

Honglee : Focus Paris 2021, « Focus Identity », les artistes ont exposés et exprimé à travers leurs œuvres, identité et ambiguïté artistique qu’ils ont révélées aux visiteurs pendant quatre jours.

Aujourd’hui c’est au tour de Londres d’ouvrir ses portes à la culture, du 13 juillet au 4 septembre, à la « Saatchi Gallery » aux cent artistes sous le thème « Color of Life ».

HongLee a des expériences avec 40 expositions internationales dont des foires d’art européennes depuis 2017, et 6 commissaires internationaux.

FOCUS Art Fair est un projet global qui propose chaque année un nouveau thème avec les meilleurs artistes et espaces, présentant des artistes internationaux aux collectionneurs internationaux et aux responsables de l’art européens.

Est une foire d’art unique en son genre sur le marché de l’art européen, et une clé pour permettre la rencontre entre passionnés d’art et artistes talentueux. Ce n’est pas n’importe quelle exposition, mais une foire d’art haut de gamme, axée sur la promotion des artistes et destinée à s’adapter au style des artistes et à celui des collectionneurs.

Qui est Wolfgang Stiller et comment l’identifions-nous ?

 

Wolfgang Stiller se vit comme un alchimiste des temps modernes, un scientifique dans un laboratoire de recherche, et son atelier est un véritable espace alternatif nourri d’expériences multiples. Il s’y essaie à tous les matériaux, simultanément, comme un chef d’orchestre, en les détournant de leurs référents ordinaires. La cire, le bois, le métal, le latex lui permettent des transformations infinies.

L’ambition de cet artiste est d’inverser le rapport entre naturel et artificiel. Il se plaît à bousculer les hiérarchies et les classements établis dans les anciens cabinets de curiosité (Wunderkammern, Chambres des Merveilles) des précieuses reliques dont les princes allemands de l’époque baroque ont enrichi les collections du musée. Il analyse les relations complexes qui divisent la « naturalité », « l’artificialité » et la »scientificité ».

Les matchstickmen (hommes allumettes) dispersés dans un éparpillement aléatoire montrent une facette nouvelle de ses préoccupations. Il s’éloigne momentanément d’un concept d’évolution pour une réflexion, un questionnement politique, humain et moral. Pendant une période de sa vie, l’artiste a habité Pékin en Chine, d’où il a rapporté des moulages de têtes utilisées pour un film. Associés à des bâtons de bambous d’une installation, ils sont devenus ces faciès orientaux sur piques.

Wolfgang Stiller s’est interrogé sur les contradictions de l’histoire, l’exploitation, la globalisation, la colonisation. Mais avant tout il donne une dimension universelle à ces gisants calcinés. Comment l’humain traite-t-il son prochain?

Ses œuvres «in progress», il ne donne pas de solutions, d’interprétation, mais propose par ces métaphores visuelles une lecture de l’humanité contemporaine. Il ne dénonce pas spécifiquement un système d’oppression politique même si la question des droits de l’homme s’impose à la vue de ces décapités consumés par le feu.

Au-delà de ce symbolisme, il conserve son goût de la sculpture, de ses possibles combinaisons et variations dans l’espace, une architecture de signes et de ponctuations, le hasard ou l’accident, une phrase d’Oulipo. Sans en oublier les déviations ludiques, le rébus énigmatique,

Une note d’espoir affleure dans la coquille nacrée qui accouche de ces nouveaux nés comme des perles baroques ou de petits sceaux de cire.

  • Une renaissance?
  • Un idéal clonage?
  • Des jumeaux complices ou ennemis?

Une fois de plus Wolfgang Stiller brouille les pistes de l’évolution, des origines et du devenir du monde.

Qui a transmis l’amour pour l’art et la décoration dans son enfance?

 

Anna Sophia Rydgren est née en 1972 en Suède, a grandi dans un foyer où la création était quelque chose de naturel, peu importe sa forme. Elle a grandi auprès de sa grand-mère amatrice d’huile sur toile qui l’a beaucoup influencée à tous les niveaux.

Elle a toujours dessiné et peint. Elle a grandi dans une maison où la création faisait naturellement partie de la vie sous forme de peinture, d’argile, de couture, de tissage et de jardinage.

Formée à l’étranger en design d’intérieur et un grand intérêt pour la conception de jardins, elle a donné un débouché à la passion de la forme et de l’esthétique. Elle a vécu et travaillé à l’étranger pendant plusieurs années, mais est maintenant de retour en Suède et travaillera sur ses propres créations.

Elle aime peindre sous une forme minimaliste abstraite et moderne et elle s’inspire des corps et des visages ainsi que des formes organiques simples de la nature.

Les structures dans la simplicité sont quelque chose qui fascine Anna Sophia ainsi que les formes sculpturales. Son travail va souvent en niveaux de gris ainsi que des neutres et des pastels. Le travail est souvent fluide et intuitif sur l’émotion et souvent en combinaison avec les formes sculpturales.

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